테니스 영화를 한 것과 <파이터>는 아무 상관이 없었다. 하지만, <파이터>를 하고 나자 한동안 모든 권투 영화에 대한 제의가 들어왔었다. 마초 영화에 대한 제의도 많이 받았다. 작품에 그게 권투든, 경찰이든, 총싸움이든 어떤 식으로든 싸움이 들어있는 영화에 대한 제의를 무척 많이 받게 되었다. <빌리 진 킹: 세기의 대결>은 조나단 데이톤, 발레리 페리스와 함께 이전 다른 두 작품(<리틀 미스 선샤인>, <루비 스팍스>)을 함께 했었기 때문에 하게 되었었다. 

감독인 레이날도는 <킹 리차드>의 레퍼런스였던 두 영화가 <리틀 미스 선샤인>과 <파이터>였기 때문에 내게 연락했다. 난 이 이 영화를 스포츠 영화로 보지 않는다. 드라마인데 그 안에 스포츠가 있을 뿐이다. 많은 관객이 스포츠 부분에 흥미를 갖는데, 그건 편집하기 힘들기 때문이다. 하지만, 난 이 영화가 패밀리 드라마나 캐릭터 드라마라고 생각한다.

작품을 선택할 때 기준이 무엇인가? 전 작품과 너무 비슷한 작품은 분명 피할 것 같은데. 

결국엔 시나리오다. 시나리오가 가장 중심이다. 때로는 특정 감독과 오랜 인연이 있기 때문에 그 부탁을 받고 작품을 하기도 한다. 하지만, 그런 예외를 제외하면 내가 보고 싶은 작품을 선택한다. 얼마나 그 작품에 내가 흥미를 느끼느냐가 기준이다. 작품을 선택하면 9개월에서, 심지어는 15개월 동안 그 작품에 매달리고 계속 봐야 한다. 나 스스로 그 작품을 좋아하지 않으면 그 시간은 고문이 될 것이다. 

물론, 감독도 선택의 기준에 들어간다. 감독의 경력 역시 내가 작품을 하고 싶으냐 아니냐를 결정하는 데 영향을 미친다. 감독의 전작을 내가 좋아해야만 한다. <킹 리차드>는 레이날도 감독의 세 번째 장편 작품일 뿐이지만, 그의 장편 데뷔작인 <몬스터스 앤 멘>을 정말 좋아한다. 그리고, 감독과 많은 시간을 함께 보내야 하기 때문에 그와 내가 잘 맞는지도 당연히 먼저 생각해야 한다. 

레이날도 감독과는 그가 다른 영화로 선댄스 랩Sundance Lab에 왔을 때 처음 만났다. 난 당시 크리에이티브 어드바이저로 있었다. 그 후 그가 <킹 리차드> 촬영 5개월 전 내게 시나리오를 보내왔다. 난 이미 테니스 영화를 여러 편 했었기 때문에 테니스 부분을 어떻게 다룰지에 대해 많은 질문을 했다. 그게 쉽지 않다는 걸 잘 알고 있었으니까. 시나리오는 이미 아주 훌륭했다. 

처음 영화에 참여하게 되었을 때 감독과 어떤 이야기를 나눴는지 궁금하다. 페이싱, 에너지 등 여러 이야기를 나눴을 텐데.

시나리오 상으로 이미 인물들이 충분히 복합적이고 흥미롭다면 페이싱은 별 문제가 없다. 편집을 하면서 자연스럽게 작품에 맞는 페이스를 찾게 된다. 편집을 진행하는 동안 러닝타임이 다소 긴 문제에 대한 논의가 많이 있었지만, 단순히 러닝타임이 길어서가 아니라 전체적인 페이스를 위해서 어떤 결정을 내려야 하는 일이 많았다.

신을 가장 많이 잘라내는 일은 영화의 후반부에서 많이 있었고, 신의 순서를 가장 많이 바꾼 건 영화의 초반부였다. 중반부에도 별로 중요하지 않은 신이 있어서 그것들을 잘라내려고 했다. 하지만, 막상 그것들 없이 영화 전체를 보니, 개별의 신은 큰 것이 아니지만 그것들이 미세하게 다음 신들에 영향을 미치고 있었다. 그러다 보니 그것들을 완전히 잘라내는 게 아니라 조금씩 줄이는 방향으로 작업했다.

촬영 중 감독과 했던 논의 중에 이런 게 있었다. 세레나와 리차드가 영화 후반부 시합장 옆에서 대화를 나누는 신인데, 리차드가 세레나에게 넌 역대 최고의 선수가 될 거라고 말하는 장면이다. 이 신은 원래 다른 장소에서 일어나는 것으로 쓰여 있었다. 계단에서 일어나는 신이었는데 영화에서 잘려나간 부분에 들어있었는 데다가 촬영도 시간 부족으로 제대로 되지 않았었다. 감독에게 이 신이 현재 상태로는 부족하다고 말했고, 작가와 어디에 이 신을 다시 넣어야 할지에 대해 많은 의논을 했다. 결론적으로 지금 자리에 들어가게 되었는데 적확한 자리를 찾은 것 같다.

LA에 있는 편집실에서 편집을 시작했다. 퍼스트 어시스턴트 에디터인 스테이시Staci Pontinus가 촬영 두 주 전부터 일을 시작했다. 테크니션들과 함께 편집 장비는 물론 효율적인 워크플로우를 준비했다. 

난 2020년 2월부터 일을 시작했는데 코로나 사태가 시작되는 바람에 촬영이 시작하고 3주 만에 촬영이 중단되었다. 두 주 후면 다시 돌아와 일을 시작하게 될 거라 예상했지만 그게 7개월이 되었다. 

언제 다시 일을 시작했나? 뭔가 달리진 게 있었나? 

난 2020년 10월에 다시 편집실로 돌아와 일을 시작했지만 퍼스트 어시스턴트 에디터, 세컨드 어시스턴트 에디터, 그리고 VFX 에디터는 집에서 원격으로 일했다. 

옆에 팀원들 없이 혼자 일하는 건 내게 쉽지 않았다. 난 그들에게 단순히 데일리스를 준비하고, 음악과 효과음을 찾는 것에 대해서만 의존하는 게 아니다. 그들로부터 크리에이티브한 부분의 피드백이 필요하다. 함께 일할 땐 언제든지 “잠깐 와봐. 이거 보여줄게”라고 불러 편집에 대한 이야기를 나눌 수 있었지만, 원격으로 일하게 되니 그런 게 쉽지 않았다.  

촬영이 끝나고 감독과는 편집실에서 함께 일했다. 

원격이 아니라 감독과 한 공간에서 함께 편집하는 게 작업에 도움이 되었나? 

레이날도 감독과 난 한 방에서 일하는 게 중요하다고 동의했다. 이를 위해 코로나 테스트를 정기적으로 했다. 커뮤니케이션이 훨씬 원활하기 때문에 감독과는 한 공간에서 일하는 게 언제나 더 좋다. 우린 신에 대해서 깊은 토론을 나눴다. 가끔 그가 어딘가에 가야 하거나 집에서 쉬는 날엔 에버캐스트Evercast를 사용해서 원격으로 일했지만, 한 공간에서 일하는 게 훨씬 효과적이다.  

디렉터스 컷 기간 동안 레이날도 감독은 거의 매일 편집실에 왔다. 우리가 일한 방식은 먼저 영화 전체를 함께 보고 그것에 대해 이야기한다. 그러고 나서 감독은 자기 사무실에 가서 다른 일을 하다 내가 수정을 하면 다시 돌아와서 함께 그것들을 체크한다. 일반적으로 완성에 가까워질수록 감독이 편집실에 머무르는 시간이 길어진다. 

이번 영화에서 함께 한 레이날도 감독과는 선댄스 랩에서 함께 시간을 보냈기 때문에 이미 어느 정도의 믿음이 있었다. 그리고, 그의 경력에 비해 내 경력이 더 높다는 점에서 그가 느낀 편안해하는 점도 있었다.  

아까 말한 것처럼 매일 감독에게 편집본과 이메일을 보내는데, 이게 감독들이 자기 자신에 대해 점점 더 믿음을 가질 수 있도록 도와준다. 나는 감독이 하는 모든 것을 보는 일종의 치어리더이다. 감독들은 모든 것을 다 보지 못한다. 촬영하느라 너무 바쁘기 때문이다. 프로듀서들도 이런저런 관리 작업으로 너무 바빠서 모든 걸 다 보지 못한다. 에디터인 내가 매일 감독이 만들어내는 모든 것을 직접 눈으로 보는 유일한 사람이다. 따라서, 감독과 더 많이 대화하고, 편집한 걸 더 많이 보여줄수록 감독은 마음이 편해진다. 편집한 걸 보고 감독이 “아, 그녀가 작품을 잘 이해하고 있구나. 이런 좋은 비평을 해주고, 어떤 게 잘되고 있는지 내게 알려줌으로써 날 도와주네"라고 생각하길 바란다.  

이런 적도 있었다. 어느 날 어떤 작품을 하고 있는데 프로듀서가 내게 전화를 했다. “감독이 매일 밤 당신 이메일을 기다려요. 마치 그게 하루 중 가장 기다려지는 일처럼 말이에요.” 이렇게 이젠 감독과 매우 친밀한 유대감을 느끼게 된다. 예전엔 그렇지 않았다. 감독들이 내가 작품에 제대로 헌신하고 있는지 묻곤 했다. 나 역시 내가 작품에 100%를 다하고 있는지 의심이 들었다. 그때부터 좀 더 적극적으로 변하기로 다짐했다. 이를 통해 여러 가지가 좋아졌다. 감독과의 관계가 좋아진 것은 물론이고, 감독 스스로도 촬영장에서 좀 더 자신감을 갖게 되었다. 감독들 역시 에디터인 내가 하는 일에 더 믿음을 주었다.

필름으로 편집하던 때는 말할 것도 없고, 이메일이나 문자 메시지가 없던 시절과 비교하면 참 다른 시대에 살고 있다. 그땐 당신이 말한 그런 일을 할 수 있는 방법은 직접 만나는 길 뿐이었다. 

필름으로 편집하던 시절엔 매일 촬영이 끝나면 그게 몇 시든 상관없이 PA(프로덕션 어시스턴트)가 편집실로 날 데리러 왔다. 밤 11시에 와서 날 차에 태워 한 시간 떨어진 촬영장으로 가는 거다. 촬영장에 마련된 트레일러에서 감독과 함께 그날 촬영본을 확인했다. 무척 피곤했다. 그렇게 보면서 감독이 하는 이야기를 모두 적었다. 솔직히 개인적으론 시간 낭비였다. 난 원래 어차피 모든 테이크를 보는데, 그건 결국 내 하루를 몇 시간씩 늘리는 것 밖에 안되었다. 게다가, 데일리스를 보면서, 옆에서 감독이 하는 말을 듣고, 또 그걸 동시에 노트에 적는 건 쉽지 않았다.  

당시엔 감독이 편집실로 오는 것 외엔 편집본을 감독에게 보여줄 수 있는 방법이 없었다. 그러다 보니, 감독은 편집본을 보기 전까진 일이 어떻게 되고 있는지, 자기가 촬영을 제대로 하고 있는 건지 정확히 알기 어려웠다. 

커리어 아주 초기에 이런 일이 있었다. 두 주 간 편집한 것을 감독에게 보여주기 위해서 먼 거리를 가야 했다. 문제는 편집하면서 참고하는 스크립트 노트에 감독이 어떤 테이크를 좋아하고, 어떤 테이크를 싫어하는지 제대로 표시되어 있지 않았다는 거다. 코미디 작품이었는데, 테이크가 거듭 될수록 뭔가 변하는 걸 볼 수 있었고, 대체로 마지막 한 두 테이크가 이전 테이크들과 아주 다르다는 걸 알 수 있었다. 그렇게 변화되었을 때 늘 멈췄기 때문에 자연스럽게 그게 감독이 원하는 거라고 예상했고, 그 테이크들을 중심으로 편집을 했고, 캐나다로 날아가 감독에게 그 편집본을 보여줬다. 편집본을 본 감독은 무척 깜짝 놀라며 실망했다. 내게 말하길 그 마지막 한 두 테이크는 자기가 원한 게 아니라 배우가 너무 하고 싶어 해서 “그래요, 당신 맘대로 일단 해봐요"라며 하게 했던 거라고 했다. 난 당연히 그런 사실을 모르고 있었다. 당시 프로듀서와는 지금도 친구인데, 그때 일을 떠올리며 감독이 날 해고하고 싶어 했다고 말해 준 적이 있다(웃음). 다행히 그 일이 있고 편집실로 돌아와 재빨리 다시 편집을 해서 그걸 우편으로 감독에게 보냈다. 감독과 제대로 커뮤니케이션을 하지 못하면 일이 정말 잘못될 수 있고, 커뮤니케이션을 가장 잘할 수 있는 방법은 역시 편집본을 보여주는 것이다.  

만일 그때 감독에게 가서 편집본을 보여주지 않았더라면 큰일이 날 뻔했다. 그게 6개월 후라고 생각하면… 

그렇다. 스크립트 슈퍼바이저(*한국에서는 스크립터라고 함)나 감독이 미리 말해줬더라면 참 좋았을 텐데 말이다.  

데일리스를 받으면 손으로 노트를 적으면서 처음부터 끝까지 모두 본다. 어떤 부분이 좋고, 어떤 부분이 문제인지, 그런 것들을 적는다. 내가 지금까지 일한 모든 영화의 모든 테이크와 앵글에 대해 이런 것들을 손으로 적은 두꺼운 노트북을 가지고 있다. 

이 과정을 통해서 모든 앵글을 훑어보며 눈에 익게 만든다. 때로는 어떤 신의 첫 샷으로 어떤 게 좋겠다는 명확한 아이디어를 얻거나, 신 중간에 이 부분을 꼭 사용해야겠다는 아이디어를 얻기도 한다. 이 노트는 편집을 시작할 때 들춰볼 수 있는 레퍼런스가 된다. 때론 신 자체가 특정한 방식으로 시작하도록 설계되어 촬영되었기 때문에 어디서 신을 시작할지 명확한 경우도 있다. 아주 예쁜 달리dolly 샷이 있다면 아마도 그 샷에서 처음 신을 시작할 터이다. 그리고 때로는 좋은 트랜지션 샷일 수도 있다. 예를 들어 계약에 대해 이야기하고 있는 신이라고 하자. 아마도 계약서나 펜 같은 걸 집어 드는 손의 클로즈 업이 좋은 시작이 될 수 있다. 하지만 대부분 논리적으로 첫 시작이 맞다고 느껴지는 걸로 편집을 시작해서 그에 맞게 이어나간다.  

그렇게 신을 시작하면 다른 것이 보고 싶어 지기 전까지 그 샷을 계속 진행시킨다. 예를 들어, 신을 한 화면에 둘이 나오는 투 샷으로 시작했다고 하자. 둘이 대화 중인데 한 명이 아주 충격적인 발언을 했다. 이 순간 나라면 상대방의 반응을 클로즈 업으로 보고 싶어 진다. 그럴 때 그의 클로즈 업으로 샷을 바꾼다. 이런 식으로 마치 내가 관객이라는 심정으로 편집을 진행한다.

첫 번째 버전에서 이미 꽤 다듬어진 형태가 나온다. 게다가, 늘 촬영 속도에 맞춰서 편집을 진행하기 때문에 꽤 빠르게 이 버전을 만들어 낸다. 또한, 편집을 하다 보면 또 다른 방식이 보이기도 하고, 감독에게 두세 가지의 선택지를 주고 싶기 때문에 종종 여러 버전의 편집본을 만든다. 

촬영 기간 동안 감독이 편집과 늘 연결되어 있다고 느끼게 하기 위해서 내가 뭘 하는지에 대해 젊은 에디터들에게 늘 얘기해 준다. 그리고 매일 감독에게 이메일을 보내는데, 거기엔 “신 3. 오늘 러프 컷 작업을 함. 잘 진행되고 있음. 특별히 그들이 xx를 할 때 코미디가 잘 살아남.” 혹은 “이 부분 연기 때문에 편집이 다소 힘들었음. 배우들이 다소 딱딱해 보임”이라는 내용이 담겨있다. 

어떤 감독들은 매일 밤 그날 촬영에 대해 이야기하고 싶어 한다. “오늘 이 신들을 찍었는데, 대체적으로 이 테이크들이 내가 가장 좋아하는 테이크입니다"라는 이야기를 한다. 스크립트에 OK로 표시된 것에 그리 많이 신경 쓰지 않는다. 촬영 현장에서 느끼는 것과 그것이 실제로 화면에서 펼쳐질 때 느껴지는 건 다르기 때문이다. 그렇기 때문에 난 모든 테이크를 면밀히 보며 노트를 하고, 내가 옳다고 느끼는 것을 이용해 편집한다.

편집을 하면서 노트를 다시 보나? 난 많은 경우 사람들은 다시 들춰보며 참고하기 위해서가 아니라, 뭔가를 기억하기 위한 방법으로 노트를 적는다고 생각하는데. 

맞다. 기억하는 데 확실히 도움이 된다. 때때로 노트를 다시 들춰보지만 거기에 너무 의존하지 않는다. 다큐멘터리 스타일의 촬영본이 있다면 노트를 많이 사용한다.   

물론이다. 실제 인물에 대한 이야기를 할 땐 최대한 진실해야 한다는 책임감을 갖는다. 비너스 자매의 언니인 아이샤 프라이스가 이 영화에 제작자로 참여하여 매일 촬영장에 있었다. 우리가 프로듀서에게 편집본을 보여줄 때 그녀도 언제나 그걸 보고 피드백을 주었는데, 그녀의 의견은 무척 중요했다. 왜냐하면 그녀가 때로는 “그런 일은 없었어요"라던지 “걔네들은 서로에게 그런 식으로 이야기하지 않아요"라는 말을 해주었기 때문이다. 

감독과 언제 인물에 대해 이야기했다. 리차드가 이런 행동을 할까? 비너스와 세레나 이런 일을 할까? 이런 질문들을 늘 주고받았다. 우리는 실제 인물에 대해서 이야기하고 있고, 사실에 기반하고 싶었다. 스토리 속에서 인물의 감정 변화를 위해서 감독과 여기에선 이 인물이 이런 식으로 말하고 행동해야 하지 않을까 하는 아이디어를 나눌 때가 있었다. 다행히도 아이샤 프라이스가 이럴 땐 정확히 그들이 어떤 식으로 행동하는지 잡아주었다. 

닌 실제 인물에 대한 이야기를 좋아한다. 그들의 이야기가 허구보다 훨씬 더 훌륭하기 때문이다.

레이날도 감독과 당신이 어떤 식으로 리차드의 시점을 구현했는지 알고 싶다. 작품이 두 딸의 시점이 아니라 리차드의 시점이라는 게 편집에 어떤 영향을 미쳤나?  

<킹 리차드>는 비너스와 세레나 윌리엄스의 시작에 관한 이야기이고, 영화의 어떤 시점에서 비너스 중심이 된다. 처음 시나리오대로 편집한 버전에 훌륭한 부분들이 많았다. 하지만, 우리는 뭔가 순서가 맞지 않다고 느꼈다. 영화의 시작을 계속 손 봤는데 어떻게 해도 충분해 보이지 않았다. 결국, 전반부의 많은 신들을 재배치했고, 심지어는 몇몇 신을 없애고 컴튼Compton 거리에서 영화를 시작하는 걸 시도해 보기도 했다. 

모든 시도가 만족스러운 결과를 내지 못하고 있을 즈음, 레이날도 감독과 내게 아이디어가 하나 떠올랐다. 리차드가 딸들의 코치를 구하러 다니는 신을 지금의 자리에서 옮겨, 그가 테니스 공을 주으러 다닌 신과 합치는 거였다. 이렇게 하자, 리차드의 시점이 작품에 입혀지는 게 느껴졌다. 그의 시점으로 계속해서 거절당하는 경험을 하는 거다. 관객은 그가 얼마나 피곤한지, 그럼에도 테니스 잡지를 펼쳐 또 다른 코치를 찾기를 멈추지 않는 것을 경험한다. 이게 작품이 시작부터 리차드의 시점으로 시작하는 걸 가능케 했다. 이 모든 건 편집 과정에서 만들어진 거다. 

‘시점'은 영화 전체에 걸쳐 아주 의도적으로 조직되었다. 리차드가 딸들을 데리고 처음 테니스 코트에 왔다가 갱스터들에게 얻어맞는 신이 있다. 리차드 맞고 밴에 돌아왔을 때 처음 밴을 타고 올 때와는 완전히 반대로 두려움에 떨며 아무 말도 하지 못하고 있는 딸들을 보여주었다. 그러다 마침내 한 명이 “아빠 괜찮아요?”라고 묻고, 리차드가 “누구도 리차드 윌리암스를 존중하지 않았어. 하지만 너희들은 존중하게 될 거다”라고 대답하는 동안 카메라는 계속 그를 비춘다. 그가 이 말을 하는 동안 샷을 중간에 자르지 않고 계속 그대로 두었다. 이를 통해 관객은 리차드라는 사람, 그가 왜 이런 생각을 하는지 느낄 수 있다. 관객은 그가 딸들의 인생을 돕기 위해 무엇을 하려 노력하는지 목격한다. 

가장 힘든 신은 무엇이었나? 

마지막 테니스 시합 신이 전형적인 스포츠 신이었기 때문에 까다로웠다. 뒤에 따라오는 신들이 감정적으로 효과적일 수 있도록 이 신을 아주 정교하게 설계해야 했다. 대부분의 스포츠 영화는 캐스터의 멘트를 하나의 툴로 사용하지만 <킹 리차드>는 캐스터가 없다. 이점이 신을 만드는 걸 더 힘들게 했다. 이미지, 사운드, 그리고 음악을 가지고 스토리를 전달해야 했다. 

신 내에서 감정이 변하는 뉘앙스를 주는 걸 돕기 위해 임시 음악을 많이 사용했는데, 작곡가가 이것을 한 단계 더 끌어올려 신의 감정 포인트들을 정교하게 도와주었다. 이 신은 그야말로 이미지와 음악 간의 댄스라고 할 수 있다. 마치 리차드의 시점으로 보는 액션 신이라 할 수 있다. 

리차드는 코트 바로 옆 관객석이 아니라 멀리서 경기를 지켜본다. 그러다 그가 비너스를 얼마나 응원하는지 보여주기 위해서 마침내 가족과 함께 앉을 때, 그 행동이 뭘 의미하는지 관객이 느낄 수 있어야 했다. 결국 영화 전체를 통틀어 가장 오래 작업한 신이 되었다. 

이 신은 또 다른 의미로 까다로웠는데, 코로나로 인한 제한 때문에 관중석에 사람이 거의 없는 상태에서 촬영을 진행해야 했다. 운 좋게도 몇 개월 후에 추가 촬영을 통해서 수백 명의 사람을 관중석에 채우고 특정 순간에 필요한 특정 리액션 샷을 찍을 수 있었다.  

에디터는 스토리텔링을 하는 사람이다. 시나리오에 있는 신이고 촬영을 한 신임에도 불구하고 어떤 신을 편집 과정에서 삭제해야 한다고 생각할 때 그 이유는 뭘까? 

때로는 퍼스트 컷first cut을 하는 과정에서 이미 중간에 어떤 신들이 없어도 앞뒤가 완벽하게 잘 연결되는 것들이 보이기도 한다. 이럴 땐 때로는 퍼스트 컷에서 그런 신을 빼고 감독에게 보여주기도 한다.  

이번 작품에선 전체 편집이 끝나고 감독과 함께 작품을 보았는데, 후반 부분이 너무 과한 게 명확하게 보였다. 기름이 너무 많았달까. 잘나래야 할 신이 확실하게 보였다. 영화 전체를 보고 나면 때로는 어떤 신을 빼야 할지 정확하게 보이기도 하고, 때로는 정확하지 않기도 하다. 뺐다가 다시 넣기도 한다. 이런 일은 언제나 생긴다. 이번 작품도 예외가 아니었다. 

낸시 레이건 신은 지금보다 길었다. 이 신에서 또 다른 에이전트가 등장하는데 폴 코헨이 리차드에게 그를 소개해 준다. 대화 중 이 에이전트가 “당신 딸들 정말 대단했어요"라고 말하는데, 이게 다음 신을 잇는 다리 역할을 한다. 어떤 시점에서 낸시 레이건 신이 없다면 어떨까 하는 생각이 들었다. 그런데, 그 신을 빼고 그 섹션을 다시 보니 에이전트와의 신이 제대로 효과를 내지 못했다. 리차드가 에이전트와의 대화에서 왜 처음부터 그렇게 화가 나 있는지 설명이 되지 않기 때문이었다. 신을 다시 넣어야 하는 게 자명했다. 

여기서 중요한 건 자기 이 어린이들이 어떤 배경을 가지고 지금 이곳에 있는지에 대한 리차드의 관점이었다. 이 모든 흑인 아이들은 분명히 어딘가에서 버스로 이곳까지 전 영부인과의 사진 촬영을 위해 버스에 태워 이곳에 왔다. 로드니 킹 사건 후에 있는 이런 자리에 자신의 딸이 함께 해야 하는 걸 리차드가 본다. 이런 상황이 후에  “그동안 잘했어요. 이젠 우리가 알아서 할게요"라고 말하는 에이전트와의 대화에서 왜 리차드가 그렇게 화가 나 있는지 이해할 수 있도록 한다.  

작은 부분을 빼는 것도 신을 완전히 바꿔버릴 수 있다. 중요한 캐릭터 디벨롭먼트character development와 스토리 아크story arc를 희생하지 않는 차원에서 최대한 경제적인 버전의 영화를 찾기 위해 노력하는 게 중요하다. 너무 많이 빼버리면 한 섹션이, 혹은 영화 전체가 망가져 버린다.